THE SUMMER OF MASSACRE: SLASHER DA RECORD... E ANCHE ALTRO

 Anche se Halloween ce lo siamo lasciato alle spalle, ripesco oggi The Summer of Massacre che è un film horror indipendente del 2011 diretto, scritto e prodotto da Joe Castro.

La pellicola è particolarmente nota tra gli appassionati del genere gore e splatter per un primato ben preciso e riportato sulla copertina del dvd: è entrata ufficialmente nel Guinness dei primati per il maggior numero di uccisioni (body count) in un film slasher, arrivando alla cifra record di 155 morti e quindi, manco a dirlo, arriveranno subito mille imitazioni dal titolo simile, e spesso che si autocopia. 

Mai doppiato in italiano, il film si sviluppa come un'antologia slasher composta da cinque racconti estremamente cruenti che vedono in azione ben otto assassini differenti, uniti dal filo conduttore di crimini efferati e brutali commessi contro vittime innocenti. 

C'è un larghissimo uso di CGI mista ad un'estetica estremamente low-budget per massimizzare senza freni la violenza visiva tra decapitazioni, mutilazioni, squartamenti e ogni sorta di trovata truculenta. 

Non ci vedrete una vera e propria trama, ed è normale perché la sceneggiatura è appositamente ridotta all'osso (espressione quanto mai adatta) proprio per lasciare spazio a un'inarrestabile sequenza di omicidi che ha permesso al regista di raggiungere il suo storico record mondiale di "carneficina" cinematografica. 

Tra gli attori c'è anche Kimmarie Johnson,

50 anni, attrice americana e modella, apparsa in altre pellicole tra cui ricordiamo pure la demenziale Fatti, Strafatti E Strafighe e la serie Beverly Hills 90210. 

È deceduta per complicazioni dovute ad un aneurisma cardiaco. 

Di tutt'altro genere di film invece si parla citando il nome di Lucia Modugno, 94 anni e attrice italiana vista per esempio in Per Qualche Dollaro In Meno, parodia dei western all'italiana con Lando Buzzanca e Raimondo Vianello (ma ci sono anche Tony Renis e Angela Luce) visto ai tempi in cui i venditori di enciclopedie organizzavano proiezioni gratuite di film cercando di vendere il loro prodotto tra il primo e il secondo tempo con un intervallo che assumeva lunghezze temporali enormi, Il Mio Nome È Pecos

(Lucia, è quella senza cappello 😜) e Navajo Joe. 

Nello sport ha suscitato scalpore la notizia della morte di Jesús De Miguel,

30 anni, calciatore spagnolo deceduto per un trauma cardiaco contusivo in seguito ad un contrasto in campo. 

Concludo gli addii, per la cronaca, con tre nomi della musica che ci lasciano e che sono: Clem Cattini, 89 anni, batterista inglese dei The Tornados (inizialmente The Tornadoes) dei quali sicuramente avete già sentito TELSTAR dal sound così d'avanguardia per il 1962 grazie all'uso di un precursore dei moderni synth, 

e che sarà anche riutilizzata in diversi modi in tempi più recenti ispirando anche qualche sigla di cartoni giapponesi in tv; Richard Lloyd, chitarrista della storica band statunitense dei Television

(all'inizio dell'anno era mancato già FRED SMITH, il bassista), una delle più influenti nella scena post punk, che è morto sabato a 75 anni a causa di complicazioni legate a un cancro alle vie biliari che gli era stato diagnosticato lo scorso marzo; Tony Butala, 87 anni,

cantante americano dei zuccherosissimi THE LETTERMEN. 

Faccio invece gli auguri per i 60 anni compiuti ieri a Gordon Ramsay,

lo chef televisivo. 

Addio Kimmarie, Lucia, Jesús, Clem, Richard e Tony. 

TANTO TEMPO FA... DICIAMO TRE SECOLI

 Tre secoli sono una bella cifra eh? Specie se si parla di un libro che tuttora, alla faccia degli anni, fa sempre piacere leggere.

Era infatti il 1726 quando venne pubblicato I Viaggi Di Gulliver, ma con il titolo Viaggi In Vari Paesi Lontani Del Mondo; anzi, originariamente il titolo del manoscritto era addirittura il chilometrico Travels Into Several Remote Nations Of The World. In Four Parts. By Lemuel Gulliver, First a Surgeon, And Then A Captain Of Several Ships. 

È arcinota la storia raccontata come un diario in cui il chirurgo Gulliver (appunto) salpa in direzione delle Indie Occidentali ma un temporale lo fa naufragare sull'isola di Lilliput; si risveglia il mattino dopo sulla spiaggia, legato in tutto il corpo e circondato da piccoli uomini, che appaiono come formiche al suo cospetto. 

Comincia così la prima di una serie di avventure raccontate ne I Viaggi Di Gulliver, capolavoro dello scrittore irlandese Jonathan Swift, pubblicato a Londra il 26 ottobre del 1726, oppure, secondo alcune fonti era il 28, ma su tre secoli non stiamo lì a spaccare il secondo (tant'è che ne parlo a quasi metà novembre😁). 

Il libro si presentava in apparenza come un romanzo d'avventura, camuffando, in maniera non tanto velata, una salace allegoria della società del tempo, del sistema inglese in particolare. 

In una settimana la prima edizione andò a ruba, rendendo l'opera uno dei classici del genere. 

Solo più tardi, e grazie alle numerose modifiche apportate rispetto al testo originale, lo si rese un romanzo per l'infanzia, fonte d'ispirazione per film e cartoni animati. 

In questo caso la trasposizione cinematografica più popolare risale al 1939 (due nomination agli Oscar), diretta da Dave Fleischer e prodotta dal fratello Max, uno che con l'animazione ci faceva colazione mescolando spesso anche scene reali a disegni, e difatti fu lui ad introdurre il Rotoscope così caro alla Disney e utilizzato qui.

La versione più recente è invece quella modernizzata del 2010 con Jack Black nel ruolo del protagonista. 

Ma, frugando nei ricordi, nel mezzo, oltre al film tv con Ted Danson,

io ci metto anche un'altra versione tipo commedia musicale con pupazzi animati di Tinin e Velia Mantegazza, realizzata dalla tv italiana nel 1968, con musiche e canzoni di Fabrizio De André (una chicca che molti non sanno) e Gian Piero Reverberi, collaboratore de Le Orme e in seguito fondatore del Rondò Veneziano. 

In questa produzione, disponibile su RaiPlay, gli attori in carne ed ossa

(Gulliver era l'attore Arturo Corso) interagivano con i pupazzi. 

E chi se la ricorda alzi la mano! 

KISS - ROCK AND ROLL OVER: EDIZIONE SPECIALE PER UNA BAND SPECIALE

 È stata pubblicata ieri la nuova e monumentale edizione per il cinquantesimo anniversario di Rock And Roll Over dei Kiss,

album del 1976 che era già il loro sesto lavoro dato che, tra i cinque precedenti, c'è anche il doppio Alive! che nelle intenzioni doveva essere un documento tutto dal vivo, ma in buona parte era stato poi rifatto in sala di registrazione e avevo RACCONTATO TUTTO QUI. 

Disco questo Rock And Roll Over che, a sorpresa, ebbe come primo singolo, pubblicato come anticipazione una decina di giorni prima, HARD LUCK WOMAN, bellissima canzone ballad scritta da Paul "Starchild" Stanley, ma cantata dal batterista Peter "The Cat" Criss che pare Rod Stewart mixato con BONNIE TYLER con quella sua voce roca, anzi... "rocka".

Il resto del disco contiene le classiche canzoni pestate in stile Kiss con cori e schitarrate di ACE "SPACEMAN" FREHLEY come si sentono anche nel secondo singolo estratto, CALLING DR. LOVE, scritta e cantata da Gene " The Demon" Simmons.

L'album, di cui ne è stato realizzato un mix stereo completamente nuovo partendo dai nastri multitraccia analogici dell'epoca, si ripresenta appunto 50 anni dopo con pubblicazioni speciali e cofanetti ricchi di materiale inedito.

Per dire... i formati più ricchi contengono un totale di 130 tracce, incluse ben 100 rarità tra demo mai pubblicati (come lo strumentale Queen for a Day), mix alternativi, outtakes e registrazioni live risalenti ai leggendari concerti del 1977 al Nippon Budokan di Tokyo. 

Sempre per le edizioni più ricche e costose (e diciamolo pure... da pazzi) ci sono allegati tantissimi gadget da collezione per i fans come riproduzioni di biglietti, toppe, adesivi, libri fotografici e persino abbigliamento esclusivo come felpe o t-shirt

a seconda della versione. 

Tutto molto bello, ma questo avviene per una band che ormai ha dato l'addio ufficiale ai concerti e della quale Gene Simmons ha venduto i diritti del loro catalogo musicale, del nome, del logo e i diritti di immagine (incluso il celebre trucco) alla società svedese Pophouse Entertainment per una cifra stimata intorno ai 300 milioni di dollari, e che prevede diversi punti chiave: la società che è la stessa dietro lo show ABBA VOYAGE di Londra, utilizzerà la tecnologia digitale per creare spettacoli virtuali con i membri della band in versione avatar e inoltre, avendo ceduto il marchio, i membri dei Kiss non possono più semplicemente rimettersi il trucco e salire sul palco come "Kiss" senza il coinvolgimento o l'accordo della Pophouse. 

Gene Simmons, che ormai ha 77 anni e rimane comunque con i colleghi nel giro della musica, ha dichiarato che ha fatto questa operazione per garantire finanze solide alle prossime generazioni della sua famiglia e dei membri della band poiché comunque da ogni iniziativa della Pophouse ne riceveranno degli introiti e con il minimo sforzo. 

Eh si... sia lui che il suo socio Paul Stanley ci hanno sempre visto lungo negli affari, e le cose infatti non finiscono qui. 

Ne riparleremo a breve... 

COLOSSAL: UN FILM FATTO PER SORPRENDERE

 Ho un bel problema oggi, perché vorrei parlare di Colossal di Nacho Vigalondo, ma senza spoilerare nulla dato che quello che succede e i motivi per cui succede devono obbligatoriamente essere scoperti solo guardando il film targato 2016.

Ma ci proverò, e con il numero minimo di immagini da pubblicare, proprio per non togliere nessuna sorpresa (anche se la locandina in effetti...). 

Intanto immaginiamo di prendere i classici monster movie alla Godzilla e fonderli con una commedia drammatica indie profondamente intima e psicologica: il risultato è un film brillante, folle (forse la definizione più adeguata) e originale. 

La pellicola parte con un breve prologo da una premessa apparentemente assurda accaduta 25 anni prima, e passa rapidamente ad una storia di vita quotidiana e personale. 

Il modo in cui queste due parti si collegano è un colpo di genio narrativo che tiene incollati allo schermo e del quale non si può dire altro per non spoilerare. 

Ma soprattutto non ci si deve lasciare ingannare dalle apparenze perché il film parte con un ritmo leggero e ironico, per poi trasformarsi in una riflessione potente, profonda e persino cupa su dinamiche relazionali umane, dipendenze (alcolismo) e crescita personale, cambiando mood in modo sorprendente e provocando anche un certo disagio in chi lo guarda, e lo dico perché l'ho provato personalmente. 

Anne Hathaway, lo dico e lo confermo, è perfetta nel ruolo di Gloria, una donna caotica e vulnerabile in cui ci si può anche rivedere in parte, se nella vostra vita avete passato anche momenti difficili (e chi non li ha avuti?).

Accanto a lei, c'è Jason Sudeikis in una delle performance più intense, sfaccettate e spiazzanti della sua carriera perché ce lo vediamo cambiare letteralmente dal giorno alla notte davanti ai nostri occhi provocando quel disagio di cui ho accennato prima. 

Vigalondo qui usa i cliché del cinema d'azione fantascientifico giapponese (kaiju, mecha) con effetti speciali non per fare del semplice intrattenimento visivo, ma come una "gigantesca" (è il caso di dirlo), brillantissima metafora dei mostri interiori con cui tutti noi lottiamo, chi più chi meno, ed è quel tipo di pellicola che ti fa dire: "Come è venuta in mente una cosa del genere al regista?". 

Era da tanto che l'avevo messo in lista su Prime Video, e alla fine me lo sono gustato davvero. 

PARLIAMONE BENE O MALE DI TINTO BRASS, MA PARLIAMONE

 Se n'è andato ieri a 93 anni Tinto Brass, all'anagrafe Giovanni Brass, dopo essere stato uno dei registi più provocatori e discussi della storia del cinema italiano.

Certo, non era Fellini, Leone, Spielberg, ma era universalmente noto come il maestro del cinema erotico italiano, e la sua figura artistica è in realtà molto più complessa di quanto la sola etichetta dell'eros lasci supporre, avendo attraversato decenni di sperimentazioni visive, avanguardia e inevitabili scontri con la censura. 

Dopo un periodo, alla fine degli anni 50, trascorso a Parigi a stretto contatto con i registi della Nouvelle Vague, Tinto torna in Italia e fa la gavetta come aiuto regista per maestri del calibro di Roberto Rossellini. Il suo debutto alla regia avviene nel 1963 con Chi Lavora È Perduto (In Capo Al Mondo),

un'opera anarchica e fortemente influenzata dal cinema d'oltralpe che si fa notare dalla critica del tempo. 

Prima di dedicarsi interamente all'erotismo, Brass sperimenta con successo i generi più disparati come il western all'italiana con Yankee (1966), il giallo-pop con Col Cuore In Gola (1967), interpretato da Jean-Louis Trintignant e film di forte impegno civile e grotteschi come Dropout (1970) e La Vacanza (1971), entrambi con Vanessa Redgrave.

La vera svolta trasgressiva arriva a metà degli anni '70, quando nel 1976 dirige l'ambizioso e cupo Salon Kitty, incentrato sul tema del controllo e del potere durante il nazismo. 

Nel 1979 firma invece la regia del kolossal internazionale Io, Caligola, con stelle del calibro di Malcolm McDowell, Helen Mirren e Peter O'Toole.

Ma il film affronta una travagliatissima vicenda produttiva poiché il produttore Bob Guccione (fondatore della rivista Penthouse) inserisce di testa sua nel montaggio finale sequenze schiettamente hardcore all'insaputa del regista. 

Brass quindi, incazzato nero, disconosce la paternità della pellicola così modificata, avviando una lunghissima battaglia legale perché erotismo e pornografia sono cose ben diverse. 

Il cinema erotico di Tinto Brass infatti si è sempre distinto dalla pornografia per la ricercatezza, la fotografia curata, i costumi d'epoca e, soprattutto, per la sua componente ludica e goliardica. 

Per Brass l'erotismo era sinonimo di libertà intellettuale, una forza vitale e giocosa. 

Il suo approccio "voyeuristico" indugiando spesso sui fondoschiena delle sue attrici, e spesso sottolineato dal regista stesso che amava fare camei nei suoi film mentre fumava l'immancabile sigaro, era comunque un piacere preso con leggerezza. 

Ed è così che, a partire dagli anni 80, Brass abbandona lo sperimentalismo politico per dedicarsi esclusivamente all'esplorazione del desiderio, del voyeurismo e della carnalità. 

Il suo cinema diventa una celebrazione gioiosa, ironica e senza tabù del corpo femminile, sfidando costantemente la censura dell'epoca. 

La Chiave (1983) con Stefania Sandrelli, la rilettura della goldoniana La Locandiera reintitolata Miranda (1985), Capriccio (1987), Paprika (1991), la rilettura dell'opera di Mozart Così Fan Tutte (1992) che mantiene lo stesso titolo, e Monella (1998) consolidano il suo stile, come l'uso ricorrente del grandangolo e l'esaltazione della bellezza giunonica delle sue protagoniste, molte delle quali lanciate o rilanciate proprio dalle sue pellicole (tra cui Serena Grandi, Debora Caprioglio, Claudia Koll).

E, se leggete queste pagine, avrete già visto come io stesso abbia parlato già in passato di CINEMA EROTICO fatto bene, ma così bene che non si può certo considerare un porno e infatti quelle pellicole venivano proiettate nelle sale tradizionali, non nei cinema a luci rosse. 

Insomma, dietro alla facciata del provocatore col sigaro in bocca e il fare sornione, si nascondeva un profondo conoscitore della letteratura classica e cinematografica, capace di trasformare il genere erotico in un'espressione d'arte colta, goliardica e profondamente vitale che ha combattuto per decenni contro le forbici dei censori dello Stato. 

FIRENZE: ANNIVERSARIO BAGNATO, MOLTO BAGNATO

 Era l'autunno del 1966 e, per la precisione, era, come oggi, il 4 di novembre, quando l'ondata di maltempo che investiva da giorni l'intera penisola riserverà alla Toscana, e in particolare alla provincia di Firenze, i suoi effetti più disastrosi.

Stava ormai piovendo ininterrottamente da fine ottobre, con una breve pausa nel giorno di Ognissanti, e già la sera del 3 novembre c'erano state le prime avvisaglie perché il livello dell'Arno iniziava a salire pericolosamente, finché durante la notte ecco che il fiume rompe gli argini, invadendo prima le campagne e di qui arriva ai vari quartieri del centro storico di Firenze.

La città, colpita da un'ondata di piena, si ritrova in alcune zone sotto cinque metri (!!!) d'acqua e con le vie di comunicazione in tilt. 

Oltre alle vittime, 34 in tutto (17 nel capoluogo, altrettante in provincia), si contano gravi danni materiali alle infrastrutture e agli edifici.

Scatta anche l'emergenza di mettere in salvo l'inestimabile patrimonio artistico della città toscana (libri, quadri, sculture, etc.), che diventa possibile grazie alla straordinaria catena di solidarietà, formata da giovani di tutto il mondo: passeranno alla storia come gli Angeli Del Fango, espressione utilizzata in occasione di altre alluvioni, come quella di Genova del 2014 e citata da Alfa nella sua canzone IL FILO ROSSO.

Gli Angeli hanno rappresentato una delle prime forme di mobilitazione spontanea giovanile del Novecento e il celebre film di Marco Tullio Giordana dedica una parte centrale della trama all'alluvione di Firenze con i protagonisti che si ritrovano in città come volontari tra questi Angeli Del Fango per salvare libri e opere d'arte, un evento che segna la loro crescita e la storia sociale di quella generazione.

Ma l'elenco delle alluvioni dell'Arno è abbastanza lungo perché se hai un fiume che attraversa la città ti devi abituare a conviverci, e la prima di cui si ha notizia risale al 1333 (lassù in alto nella foto di apertura ci sono le due targhe che segnano il livello dell'acqua di entrambe le alluvioni) quella che è considerata la più catastrofica per Firenze perché venne distrutto il celebre Ponte Vecchio, che sarà ricostruito 12 anni più tardi.

Ma non solo Firenze fu invasa dall'acqua; lo stesso 4 novembre 1966 saranno alluvionate anche Grosseto

e Pontedera, mentre Venezia viene devastata dalla disastrosa acqua alta che arrivando a quasi due metri (194 cm) sopra il livello medio di marea sommerge la città e tutte le isole della laguna. 

Insomma l'intero nord-est dell'Italia, 60 anni fa venne colpito da una delle più grandi alluvioni mai verificatesi nell'Europa meridionale.

E ti puoi impegnare quanto vuoi, ma è risaputo che l'acqua, nella maggior parte dei casi, ha sempre l'ultima parola. 

Dal punto di vista cinematografico, oltre La Meglio Gioventù e al documentario Per Firenze (1966) diretto da Franco Zeffirelli con la voce narrante dell'attore Richard Burton, realizzato per sensibilizzare il mondo intero e raccogliere fondi, La 7 manda in onda questa sera in seconda serata Piero Bargellini - Il Sindaco Dell'Alluvione,

un cortometraggio di 60 minuti che racconta l’alluvione del 4 novembre 1966 attraverso lo sguardo appunto dell'allora primo cittadino Piero Bargellini, ripercorrendo le ore drammatiche che cambiarono per sempre il volto di Firenze, e che è anche la storia di un uomo che, nel momento più difficile, seppe diventare il punto di riferimento di un’intera comunità. 

CARRIE - LO SGUARDO DI SATANA... E, LO RIPETO, NON È QUELLA DEGLI EUROPE

 Carrie, è vero e l'ho già detto in UN ALTRO POST un paio di anni fa, è anche la famosissima ballad strappamutande degli Europe, ma quello di cui parlo oggi (allora era l'anniversario del romanzo di Stephen King che segnava anche il suo debutto come scrittore), è un film horror soprannaturale americano diretto da Brian De Palma.

Pellicola che arriverà in Italia il 22 febbraio del 1977 e che compie oggi 50 anni dato che venne presentato in anteprima in 17 sale cinematografiche nell'area di Washington, DC - Baltimora il 3 novembre del 1976, il che ci stava benissimo perché era appena passato Halloween. 

Carrie White (Sissy Spacek) è un'adolescente timida, impacciata e costantemente emarginata dai compagni di liceo. 

Vive in un clima di totale chiusura domestica con la madre Margaret

(PIPER LAURIE), una fanatica religiosa ossessionata dal peccato e dalla sessuofobia.

Dopo un'umiliazione subita nello spogliatoio della scuola a causa della prima mestruazione (evento a lei sconosciuto sempre per colpa della madre), Carrie scopre di possedere potenti capacità telecinetiche che le permettono di muovere gli oggetti con la forza della mente. 

Mentre una compagna pentita,

Sue (Amy Irving), cerca di farla partecipare al ballo di fine corso facendola accompagnare dal proprio fidanzato Tommy, un gruppo di bulli organizza una crudele beffa (non dico quale, ma lo sanno tutti) che scatenerà la furia apocalittica di Carrie. 

Il film, come nello stile di De Palma, si avvale dell'uso dello split-screen

(lo schermo diviso in due) durante la sequenza del massacro al ballo, per mostrare contemporaneamente due punti di vista con l'espressione catalitica di Carrie, e dello slow motion. 

Sissy Spacek e Piper Laurie ricevono entrambe la nomination agli Oscar (rispettivamente come Miglior attrice protagonista e Miglior attrice non protagonista), un traguardo rarissimo per un film horror. 

Come avrete letto nell'altro post, se avete seguito il link lassù, il film vanta anche la presenza di un giovanissimo John Travolta

in uno dei suoi primi ruoli cinematografici rilevanti, nei panni del bullo Billy Nolan, oltre alla succitata Amy Irving, con pure Nancy Allen e William Katt. 

Carrie non è semplicemente una storia horror, ma vale già mezzo secolo fa come potente accusa sulle ferite del bullismo, sulla crudeltà adolescenziale e sui danni dell'estremismo religioso. 

Il film ha ridefinito il modo di raccontare l'adolescenza al cinema mostrandone il lato oscuro e influenzando generazioni di registi horror successivi. 

La scena di Carrie sul palco, ricoperta di sangue con gli occhi sbarrati, rimane una delle immagini più iconiche dell'intera storia del cinema. 

Tant'è che in seguito ne sono arrivati un sequel evitabile e due remake di cui il primo doveva essere il pilota di una serie tv, ma fece flop.

Impresa invece riuscita a Prime Video che ha tirato fuori una recentissima miniserie tv, stavolta senza Satana nel titolo e con alcune libertà dal romanzo di King, ma il gradimento ne ha confermato una seconda stagione.