SECONDO LUCA CARBONI, DUSTIN HOFFMAN NON SBAGLIA UN FILM, MA FORSE SBAGLIA STRADA

 Cinema e locations oggi perché 90 anni fa veniva inaugurato in California il San Francisco-Oakland Bay Bridge, 

ponte stradale a due piani, uno per ogni senso di marcia, spesso confuso o surclassato nel cinema dal più celebre Golden Gate Bridge che, a dispetto del nome dorato, è rosso ed è dove James Bond, versione Roger Moore, si abbarbica in Bersaglio Mobile per rompere le balle al villain Max Zorin che aveva il volto di Christopher Walken e se ne stava bello bello a pilotare il suo dirigibile.

Ma anche il San Francisco-Oakland Bay Bridge è apparso in diverse pellicole di Hollywood come, per esempio, Il Mistero Del Falco del 1941 con Humphrey Bogart, pellicola che si apre con inquadrature del porto di San Francisco e del quasi neonato Bay Bridge sullo sfondo dell'ufficio del detective Sam Spade.

Missione Segreta - 30 Secondi Sopra Tokyo del 1944 include una storica inquadratura di un bombardiere B-25 che vola sotto il Bay Bridge girata dal vero senza effetti speciali utilizzando un vero bombardiere e un pilota militare professionista.

Il Laureato del 1967 dove il personaggio di Ben Braddock, interpretato da Dustin Hoffman, attraversa il ponte in direzione ovest verso Berkeley.

Ma c'è un piccolo trucchetto qui perché nel film Ben viene inquadrato mentre guida la sua Alfa Romeo sul ponte superiore del San Francisco-Oakland Bay Bridge,

che in realtà trasporta il traffico in direzione ovest (verso San Francisco).

Poiché invece lui si sta dirigendo a Berkeley (che si trova a est di San Francisco), avrebbe dovuto percorrere il ponte inferiore, riservato al traffico in direzione est verso Oakland e Berkeley.

Ma le esigenze di ripresa hanno fatto utilizzare il ponte superiore perché offriva inquadrature molto più luminose rispetto al ponte inferiore, che ovviamente risulta più scuro e chiuso. 

E poi c'è Basic Instinct del 1992 dove nella sequenza al Pier 7 dove il detective Nick Curran (Michael Douglas) discute con il collega Gus Moran mentre sullo sfondo si può ammirare la sagoma del Bay Bridge.

Queste ed altre pellicole (ho citato giusto le più importanti) ospitano il nostro ponte novantenne protagonista del post odierno, e sono sicuro che adesso, se riguarderete uno di questi film, ad un certo punto vi ricorderete di questa canaglia che scrive qui. 

CERTEZZE CHE NON HO PIÙ

 Sono io o sono loro? Più probabilmente sono loro, perché personalmente non mi sembra di essere diventato così esigente, eppure Zelig,

di cui non perdevo una puntata, non mi diverte più e non credo sia solo per la conduzione passata a Michelle Hunziker con Ale & Franz. 

E non sopporto più nemmeno The Voice specialmente per colpa del "simpaticissimo" Clementino

e dei fintissimi duetti "improvvisati". 

Per non parlare poi del GialappaShow su Tv8 che pare un'ombra di quello che era il Mai Dire... declinato in diverse versioni di una volta.

E poi mi vengono a dire che la tv, quella che va in diretta, non è poi così male... 

Ben venga lo streaming invece, grazie al quale con RaiPlay mi sono pure goduto a mio libero piacimento il film concerto The Rolling Stones - Havana Moon

che era andato in onda a mia insaputa su Rai 5. 

Ma, per fortuna, così niente è perduto... 

In chiusura lasciatemi anche postare un artwork creato tramite A.I. che mi è stato suggerito dalla carissima RITA

che diventa qui una senoRita spagnola.

THE MANDALORIAN AND GROGU: NON SONO PIÙ TANTO SICURO CHE QUESTA SIA LA VIA...

 Allora parliamo di questo benedetto The Mandalorian And Grogu?

Beh, non si può dire che sia brutto a priori, ma il suo vero problema è di essere sicuramente troppo lungo e spesso troppo scuro e pure confuso nelle scene di combattimento che sono anche troppe e spesso non si capisce quanti avversari ci sono in scena. 

Questo senza ombra di dubbio è dovuto al fatto che l'idea di base era una quarta stagione di The Mandalorian, poi virata in film e lo si capisce dal fatto che le scene si susseguono esattamente come se fossero quattro episodi incollati insieme senza un vero climax epico. 

Anzi, se ci si fa caso si capisce anche quando un episodio termina e inizia il successivo. Insomma 130 minuti che passano senza lasciarti le emozioni che invece le stagioni su Disney+ erano riuscite a dare (molto meno L'ULTIMA in effetti). 

E infatti all'epoca della prima stagione NE PARLAVO come il miglior proseguimento della saga di Guerre Stellari, mentre adesso no, non posso dire la stessa cosa dopo anche quel passo falso di THE BOOK OF BOBA FETT modificato in corsa per non perdere abbonati. 

No... la Disney, quella vera, era un'altra cosa, ed erano diverse pure le Guerre Stellari di Lucas. 

THE SUMMER OF MASSACRE: SLASHER DA RECORD... E ANCHE ALTRO

 Anche se Halloween ce lo siamo lasciato alle spalle, ripesco oggi The Summer of Massacre che è un film horror indipendente del 2011 diretto, scritto e prodotto da Joe Castro.

La pellicola è particolarmente nota tra gli appassionati del genere gore e splatter per un primato ben preciso e riportato sulla copertina del dvd: è entrata ufficialmente nel Guinness dei primati per il maggior numero di uccisioni (body count) in un film slasher, arrivando alla cifra record di 155 morti e quindi, manco a dirlo, arriveranno subito mille imitazioni dal titolo simile, e spesso che si autocopia. 

Mai doppiato in italiano, il film si sviluppa come un'antologia slasher composta da cinque racconti estremamente cruenti che vedono in azione ben otto assassini differenti, uniti dal filo conduttore di crimini efferati e brutali commessi contro vittime innocenti. 

C'è un larghissimo uso di CGI mista ad un'estetica estremamente low-budget per massimizzare senza freni la violenza visiva tra decapitazioni, mutilazioni, squartamenti e ogni sorta di trovata truculenta. 

Non ci vedrete una vera e propria trama, ed è normale perché la sceneggiatura è appositamente ridotta all'osso (espressione quanto mai adatta) proprio per lasciare spazio a un'inarrestabile sequenza di omicidi che ha permesso al regista di raggiungere il suo storico record mondiale di "carneficina" cinematografica. 

Tra gli attori c'è anche Kimmarie Johnson,

50 anni, attrice americana e modella, apparsa in altre pellicole tra cui ricordiamo pure la demenziale Fatti, Strafatti E Strafighe e la serie Beverly Hills 90210. 

È deceduta per complicazioni dovute ad un aneurisma cardiaco. 

Di tutt'altro genere di film invece si parla citando il nome di Lucia Modugno, 94 anni e attrice italiana vista per esempio in Per Qualche Dollaro In Meno, parodia dei western all'italiana con Lando Buzzanca e Raimondo Vianello (ma ci sono anche Tony Renis e Angela Luce) visto ai tempi in cui i venditori di enciclopedie organizzavano proiezioni gratuite di film cercando di vendere il loro prodotto tra il primo e il secondo tempo con un intervallo che assumeva lunghezze temporali enormi, Il Mio Nome È Pecos

(Lucia, è quella senza cappello 😜) e Navajo Joe. 

Nello sport ha suscitato scalpore la notizia della morte di Jesús De Miguel,

30 anni, calciatore spagnolo deceduto per un trauma cardiaco contusivo in seguito ad un contrasto in campo. 

Concludo gli addii, per la cronaca, con tre nomi della musica che ci lasciano e che sono: Clem Cattini, 89 anni, batterista inglese dei The Tornados (inizialmente The Tornadoes) dei quali sicuramente avete già sentito TELSTAR dal sound così d'avanguardia per il 1962 grazie all'uso di un precursore dei moderni synth, 

e che sarà anche riutilizzata in diversi modi in tempi più recenti ispirando anche qualche sigla di cartoni giapponesi in tv; Richard Lloyd, chitarrista della storica band statunitense dei Television

(all'inizio dell'anno era mancato già FRED SMITH, il bassista), una delle più influenti nella scena post punk, che è morto sabato a 75 anni a causa di complicazioni legate a un cancro alle vie biliari che gli era stato diagnosticato lo scorso marzo; Tony Butala, 87 anni,

cantante americano dei zuccherosissimi THE LETTERMEN. 

Faccio invece gli auguri per i 60 anni compiuti ieri a Gordon Ramsay,

lo chef televisivo. 

Addio Kimmarie, Lucia, Jesús, Clem, Richard e Tony. 

TANTO TEMPO FA... DICIAMO TRE SECOLI

 Tre secoli sono una bella cifra eh? Specie se si parla di un libro che tuttora, alla faccia degli anni, fa sempre piacere leggere.

Era infatti il 1726 quando venne pubblicato I Viaggi Di Gulliver, ma con il titolo Viaggi In Vari Paesi Lontani Del Mondo; anzi, originariamente il titolo del manoscritto era addirittura il chilometrico Travels Into Several Remote Nations Of The World. In Four Parts. By Lemuel Gulliver, First a Surgeon, And Then A Captain Of Several Ships. 

È arcinota la storia raccontata come un diario in cui il chirurgo Gulliver (appunto) salpa in direzione delle Indie Occidentali ma un temporale lo fa naufragare sull'isola di Lilliput; si risveglia il mattino dopo sulla spiaggia, legato in tutto il corpo e circondato da piccoli uomini, che appaiono come formiche al suo cospetto. 

Comincia così la prima di una serie di avventure raccontate ne I Viaggi Di Gulliver, capolavoro dello scrittore irlandese Jonathan Swift, pubblicato a Londra il 26 ottobre del 1726, oppure, secondo alcune fonti era il 28, ma su tre secoli non stiamo lì a spaccare il secondo (tant'è che ne parlo a quasi metà novembre😁). 

Il libro si presentava in apparenza come un romanzo d'avventura, camuffando, in maniera non tanto velata, una salace allegoria della società del tempo, del sistema inglese in particolare. 

In una settimana la prima edizione andò a ruba, rendendo l'opera uno dei classici del genere. 

Solo più tardi, e grazie alle numerose modifiche apportate rispetto al testo originale, lo si rese un romanzo per l'infanzia, fonte d'ispirazione per film e cartoni animati. 

In questo caso la trasposizione cinematografica più popolare risale al 1939 (due nomination agli Oscar), diretta da Dave Fleischer e prodotta dal fratello Max, uno che con l'animazione ci faceva colazione mescolando spesso anche scene reali a disegni, e difatti fu lui ad introdurre il Rotoscope così caro alla Disney e utilizzato qui.

La versione più recente è invece quella modernizzata del 2010 con Jack Black nel ruolo del protagonista. 

Ma, frugando nei ricordi, nel mezzo, oltre al film tv con Ted Danson,

io ci metto anche un'altra versione tipo commedia musicale con pupazzi animati di Tinin e Velia Mantegazza, realizzata dalla tv italiana nel 1968, con musiche e canzoni di Fabrizio De André (una chicca che molti non sanno) e Gian Piero Reverberi, collaboratore de Le Orme e in seguito fondatore del Rondò Veneziano. 

In questa produzione, disponibile su RaiPlay, gli attori in carne ed ossa

(Gulliver era l'attore Arturo Corso) interagivano con i pupazzi. 

E chi se la ricorda alzi la mano! 

KISS - ROCK AND ROLL OVER: EDIZIONE SPECIALE PER UNA BAND SPECIALE

 È stata pubblicata ieri la nuova e monumentale edizione per il cinquantesimo anniversario di Rock And Roll Over dei Kiss,

album del 1976 che era già il loro sesto lavoro dato che, tra i cinque precedenti, c'è anche il doppio Alive! che nelle intenzioni doveva essere un documento tutto dal vivo, ma in buona parte era stato poi rifatto in sala di registrazione e avevo RACCONTATO TUTTO QUI. 

Disco questo Rock And Roll Over che, a sorpresa, ebbe come primo singolo, pubblicato come anticipazione una decina di giorni prima, HARD LUCK WOMAN, bellissima canzone ballad scritta da Paul "Starchild" Stanley, ma cantata dal batterista Peter "The Cat" Criss che pare Rod Stewart mixato con BONNIE TYLER con quella sua voce roca, anzi... "rocka".

Il resto del disco contiene le classiche canzoni pestate in stile Kiss con cori e schitarrate di ACE "SPACEMAN" FREHLEY come si sentono anche nel secondo singolo estratto, CALLING DR. LOVE, scritta e cantata da Gene " The Demon" Simmons.

L'album, di cui ne è stato realizzato un mix stereo completamente nuovo partendo dai nastri multitraccia analogici dell'epoca, si ripresenta appunto 50 anni dopo con pubblicazioni speciali e cofanetti ricchi di materiale inedito.

Per dire... i formati più ricchi contengono un totale di 130 tracce, incluse ben 100 rarità tra demo mai pubblicati (come lo strumentale Queen for a Day), mix alternativi, outtakes e registrazioni live risalenti ai leggendari concerti del 1977 al Nippon Budokan di Tokyo. 

Sempre per le edizioni più ricche e costose (e diciamolo pure... da pazzi) ci sono allegati tantissimi gadget da collezione per i fans come riproduzioni di biglietti, toppe, adesivi, libri fotografici e persino abbigliamento esclusivo come felpe o t-shirt

a seconda della versione. 

Tutto molto bello, ma questo avviene per una band che ormai ha dato l'addio ufficiale ai concerti e della quale Gene Simmons ha venduto i diritti del loro catalogo musicale, del nome, del logo e i diritti di immagine (incluso il celebre trucco) alla società svedese Pophouse Entertainment per una cifra stimata intorno ai 300 milioni di dollari, e che prevede diversi punti chiave: la società che è la stessa dietro lo show ABBA VOYAGE di Londra, utilizzerà la tecnologia digitale per creare spettacoli virtuali con i membri della band in versione avatar e inoltre, avendo ceduto il marchio, i membri dei Kiss non possono più semplicemente rimettersi il trucco e salire sul palco come "Kiss" senza il coinvolgimento o l'accordo della Pophouse. 

Gene Simmons, che ormai ha 77 anni e rimane comunque con i colleghi nel giro della musica, ha dichiarato che ha fatto questa operazione per garantire finanze solide alle prossime generazioni della sua famiglia e dei membri della band poiché comunque da ogni iniziativa della Pophouse ne riceveranno degli introiti e con il minimo sforzo. 

Eh si... sia lui che il suo socio Paul Stanley ci hanno sempre visto lungo negli affari, e le cose infatti non finiscono qui. 

Ne riparleremo a breve... 

COLOSSAL: UN FILM FATTO PER SORPRENDERE

 Ho un bel problema oggi, perché vorrei parlare di Colossal di Nacho Vigalondo, ma senza spoilerare nulla dato che quello che succede e i motivi per cui succede devono obbligatoriamente essere scoperti solo guardando il film targato 2016.

Ma ci proverò, e con il numero minimo di immagini da pubblicare, proprio per non togliere nessuna sorpresa (anche se la locandina in effetti...). 

Intanto immaginiamo di prendere i classici monster movie alla Godzilla e fonderli con una commedia drammatica indie profondamente intima e psicologica: il risultato è un film brillante, folle (forse la definizione più adeguata) e originale. 

La pellicola parte con un breve prologo da una premessa apparentemente assurda accaduta 25 anni prima, e passa rapidamente ad una storia di vita quotidiana e personale. 

Il modo in cui queste due parti si collegano è un colpo di genio narrativo che tiene incollati allo schermo e del quale non si può dire altro per non spoilerare. 

Ma soprattutto non ci si deve lasciare ingannare dalle apparenze perché il film parte con un ritmo leggero e ironico, per poi trasformarsi in una riflessione potente, profonda e persino cupa su dinamiche relazionali umane, dipendenze (alcolismo) e crescita personale, cambiando mood in modo sorprendente e provocando anche un certo disagio in chi lo guarda, e lo dico perché l'ho provato personalmente. 

Anne Hathaway, lo dico e lo confermo, è perfetta nel ruolo di Gloria, una donna caotica e vulnerabile in cui ci si può anche rivedere in parte, se nella vostra vita avete passato anche momenti difficili (e chi non li ha avuti?).

Accanto a lei, c'è Jason Sudeikis in una delle performance più intense, sfaccettate e spiazzanti della sua carriera perché ce lo vediamo cambiare letteralmente dal giorno alla notte davanti ai nostri occhi provocando quel disagio di cui ho accennato prima. 

Vigalondo qui usa i cliché del cinema d'azione fantascientifico giapponese (kaiju, mecha) con effetti speciali non per fare del semplice intrattenimento visivo, ma come una "gigantesca" (è il caso di dirlo), brillantissima metafora dei mostri interiori con cui tutti noi lottiamo, chi più chi meno, ed è quel tipo di pellicola che ti fa dire: "Come è venuta in mente una cosa del genere al regista?". 

Era da tanto che l'avevo messo in lista su Prime Video, e alla fine me lo sono gustato davvero.